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Como desenvolver seu lado artístico no ballet

Já mostramos em nosso feed do Instagram um vídeo em que a Claudia Raia sobre uma qualidade que todo bailarino deve ter: dançar com alma. Está certo que “alma” não se ensina a ninguém, mas vamos lembrar que o ballet é acima de tudo é uma arte.

 

O bailarino precisa ao mesmo tempo, ter a dedicação de um atleta, treinando todos os dias, e também ter a versatilidade de um ator, pois deve saber as diferenças entre interpretar, por exemplo, uma Sylphide e a Kitri. Cada personagem em cada ballet vai precisar de uma expressão facial diferente, de uma energia diferente, de uma expressão corporal diferente. Lembre-se de que no ballet, principalmente ao dançar um repertório, você também está contando uma história, então, saiba contar essa história, saiba interpretar esse personagem.

 

Além disso, o bailarino deve encontrar o equilíbrio entre não colocar expressão nenhuma naquele personagem ou colocar demais. Inclusive, os jurados têm exigido isso de quem dança nos festivais e audições.  Afinal de contas, no ballet não é só a técnica que é importante, mas o lado artístico também chama muito atenção e define que o bailarino é bom.

 

Então, neste post, vamos falar algumas dicas que podem te ajudar a desenvolver esse seu lado artístico no ballet.

 

Todos os dançarinos, de artistas da Broadway a artistas de vanguarda, são contadores de histórias. No minuto em que começam a se mover, começam a transmitir características do personagem, emoção e enredo – mesmo que estejam realizando um trabalho ostensivamente sem trama. “Pense na famosa contração de Martha Graham”, diz o veterano da Broadway Arbender Robinson. Mesmo sendo um movimento abstrato, “cada contração tem significado”.

 

Mas atuar não vem naturalmente para todos os bailarinos. Alguns são vítimas de expressões faciais exageradas, que podem parecer forçadas. Outros lutam para libertar suas mentes dos detalhes da técnica ou coreografia. O que separa um autêntico contador de histórias de um bailarino que faz muito ou pouco? Treinamento e tempo podem fazer toda a diferença.

1.Volte ao básico

Para agir de uma maneira natural, os bailarinos treinados muitas vezes precisam fazer algum aprendizado. “Os bailarinos têm o que precisam para contar histórias com seus corpos”, diz Robinson, que trabalha como treinador de teatro musical com o New York Vocal Coaching. Mas às vezes nos concentramos tanto na técnica que “colocamos nosso cérebro na barra ou no espelho”, diz ele. “Quando você anda, você pensa em segurar o seu core, equilibrando seu peso quando você passa de um pé para o próximo? Não. Você simplesmente anda.”

 

Estudantes de ballet, por exemplo, “são ensinados a andar classicamente, e eles têm uma ideia de como é uma bailarina”, diz a maître de ballet do San Francisco Ballet, Anita Paciotti. Mas quando ela treina as jovens Claras para o Quebra-Nozes de Helgi Tomasson, ela não quer que elas se comportem como estudantes de ballet; ela quer que elas sejam pessoas. Muitas vezes, Paciotti pedirá para essas Claras voltem ao básico, correndo como no recreio.

 

Treinar sua mente para confiar nos instintos naturais do seu corpo, Robinson recomenda praticar caminhada, levando com diferentes partes do corpo. “Tente andar pelo chão levando com seu peito. Como você se sente? Poderoso? Confiante? Conceituado? Então tente liderar com seus quadris. Você se sente atrevida e flertando?” Pensar sobre como essas mudanças sutis afetam o caráter de sua caminhada ajudará você a começar a ver a capacidade de contar histórias do movimento. “Quando você se sentir confortável com essa atividade, você pode começar a aplicá-la em pequenos trechos de coreografia”, diz ele. “Com bastante prática, se tornará uma segunda natureza.”

2. Conte a você mesmo uma história

Você está interpretando um personagem com um arco narrativo específico? Tente contar essa história para você mesmo enquanto trabalha com a coreografia, para que cada momento seja o mais autêntico possível. “Com Clara, são as pequenas coisas, como talvez você não corresse direto para a lareira para procurar seu Quebra-Nozes”, diz Paciotti. “Você olharia para aquilo e pararia para pensar: ‘Talvez o meu Quebra-Nozes esteja junto à lareira!’ “Ao adotar o monólogo interno do personagem, você começará a desenvolver as nuances que fazem com que um desempenho de atuação seja honesto.

 

Mesmo quando os componentes teatrais são altamente coreografados, como a pantomima de Giselle, cada gesto deve parecer natural. “Ainda tem que parecer espontâneo, como se estivesse acontecendo pela primeira vez”, diz Paciotti. Ela recomenda pensar em sequências de pantomima como uma série de frases. “O começo de cada sentença é um novo momento para você. Um fôlego. Você pensa: ‘Ah, sim, eu vou colher aquela flor lá.’ ”

 

Se você está dançando um papel mais abstrato, tente desenvolver sua própria história para a coreografia. Quando a dançarina da LIV Travel Dance Company, Skye Parsons, aprende uma nova peça para a competição, ela começa a pensar imediatamente sobre a intenção por trás dela. “Quando estou aprendendo um solo, tenho a tendência de roteirizar a história”, diz Parsons. Ela vai moldar uma narrativa em sua cabeça enquanto aprende a coreografia, adicionando nuances depois que ela descobre como termina. Ao trabalhar com um grupo, esse processo pode ser mais colaborativo. Uma vez, a equipe de Parsons encontrou inspiração para uma peça sobre o bem contra o mal, representando seus personagens por meio de mensagens de texto.

3. Não force

A técnica de pensar excessivamente não é a única maneira de parecer seco ou rígido no palco. “Se você se concentrar muito em retratar uma emoção, tudo pode ficar preso em seu rosto”, diz Parsons. “E um rosto excessivamente intenso distrai o movimento.” A chave para as expressões faciais naturalistas é a internalização da narrativa, do personagem e da emoção que você explorou ao longo do processo de ensaio, de modo que, no momento em que você entra no palco, é uma segunda natureza. Dessa forma, você não terá que pensar “Olhe feliz!” ou “Olhe com raiva!” – você apenas aparecerá dessa maneira, sem forçá-lo.

 

Para entrar no personagem, “antes da apresentação, eu gosto de escolher uma música para ouvir que se encaixa na emoção do solo que estou prestes a realizar”, diz Parsons. “Eu coloco meus fones de ouvido, bloqueio todos ao meu redor e realmente entro nessa mentalidade.” Uma vez no palco, ela mantém sua mente focada na experiência, não nos detalhes da coreografia, ou em como deve ser sua emoção. “Nada é excessivamente proposital”, diz ela. “Eu simplesmente deixo acontecer.”

 

E se você tem outras pessoas no palco com você, elas podem ajudá-lo a agir em um local autêntico. “Sempre digo para os bailarinos se olharem nos olhos quando interagem”, diz Paciotti. “Não há nada mais sincero do que os sorrisos que duas pessoas ficam quando se olham.” No final do dia, a emoção genuína é sempre eficaz.

 

 

Fonte:

https://www.dancespirit.com/

 

 



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