Existe uma conexão praticamente essencial entre música e dança. A dança, especialmente o ballet, na maior parte das vezes não renuncia à música ou ao ritmo, mas é fácil ignorar a música ou tratá-la apenas como um meio de manter a contagem. Ouça a música: inspira, motiva e realmente ajuda você a dançar melhor.
A música fornece o pulso fundamental; o ritmo e a contagem indicam onde você deve estar em determinados momentos específicos. Em algumas aulas de dança moderna, o acompanhamento é quase tão mínimo. Mas mesmo uma batida solitária pode sugerir a qualidade e o caráter do movimento; seus acentos podem lembrá-lo de escovar com força ou fechar rapidamente. Quando melodia e harmonia combinam ritmo e contagem, a música oferece informações e orientações abundantes para o bailarino.
Permita que a personalidade da música traga o mesmo para você. Se a música é ousada e grande, dance ousado e grande. Música delicada exige danças delicadas. A menos que um coreógrafo esteja tentando obter um efeito especial, deixe que a música “staccato” ou “pizzicato” inspire sua própria forma, clareza e ataque. Deixe a música “legato” ajudá-lo a conectar seus passos com fluidez em linhas suaves, flexíveis e alongadas. Trabalhe para se tornar versátil o suficiente para dançar confortavelmente todo tipo de coreografia.
Em seguida, leve-o ao próximo nível e considere as frases de cada música. As frases de movimento conectam passos individuais da mesma maneira que as frases musicais conectam notas individuais. Pense na sua dança como um colar de pérolas: cada pérola é linda por si só, mas o colar inteiro é mais ainda. Ouça a maneira como a música se forma ou muda de dinâmica; observe os clímax e as cadências. Pense no que você enfatizaria se você cantasse a linha da melodia e modelasse sua dança de acordo.
Estar “na música” significa que você alcança a posição correta na contagem apropriada. Estar “atrasado” ou “por trás da música” significa que você não está chegando onde deveria estar na hora na certa. Musicalidade, no entanto, é mais do que apenas estar na música. É a capacidade de ouvir qualidades e estruturas sutis na música e depois comunicá-las através da sua dança.
E mesmo a musicalidade é uma habilidade possível de ser treinada e melhorada. O treinamento da musicalidade e aprender a contar a música só podem ajudá-lo como bailarino; no mínimo, ouça música fora da sala de aula para melhorar sua musicalidade. Uma das formas de se treinar para você identificar o ritmo, é simplesmente permitindo que sua mão bata suavemente junto com a música. Isso vai acentuar automaticamente a batida, permitindo que você diferencie, por exemplo, uma marcha, que é em tempo de 4/4 (quatro tempos para uma medida), de uma valsa, que é em tempo de 3/4 (três tempos em uma medida). Da próxima vez que você ouvir “Valsa das Flores”, de Tchaikovsky, do Quebra-nozes, ouça os “um dois três, um dois três” desse ritmo. Depois, experimente a “Dança dos Cavalheiros”, de Romeu e Julieta, de Prokofiev, para os pesados ”um dois, um dois” de seu ritmo. Leve consigo essa habilidade auditiva aprimorada para a aula de dança e evolua para músicas mais complicadas.
A musicalidade também resolve problemas. Quando uma pirueta não está saindo, ou você está atrasado em uma sequência rápida, ouça o ritmo e a contagem da música. Você pode melhorar, alterando a contagem. A música pode dar o impulso necessário para você passar por uma sequência longa e difícil. Quando estiver sinalizando, use a música e sinta-a, deixando cada movimento fluir por ela. Você não ficará sem fôlego tão rapidamente.
Seu professor pode te estimular a não confiar na contagem para incentivar a sensibilidade musical e desencorajar a dança robótica. Embora o cultivo de sua própria musicalidade seja extremamente importante, não perca de vista que a contagem ainda é uma habilidade essencial para os dançarinos. Alguns dançarinos são naturalmente musicais, mas, para aqueles que precisam de tempo para desenvolver um ouvido, contar ajuda. Se você estiver em um grupo ou dançando uma música complexa, a contagem faz com que todos se movam em uníssono. Apenas uma coreografia precisa ser contada. No final do “Concerto Barroco”, por exemplo, os dançarinos pulam e movem os braços em contagens rápidas de quatro, enquanto a música está em contagens lentas de três. Se não contassem, ficariam irremediavelmente confusos.
Mas mesmo contar não funciona em todas as situações. Os ritmos da partitura emocionante e complexa de Stravinsky para A Sagração da Primavera mudam constantemente, e algumas seções são praticamente incontáveis. A música causou tantos problemas aos dançarinos que, na estreia em 1913, o coreógrafo Nijinsky disse-lhes para simplesmente seguirem sua própria contagem enquanto ele estava em uma cadeira e gritava. Infelizmente, o ballet fez com que o público se revoltasse e os bailarinos não pudessem ouvi-lo acima da confusão.
“Música de ballet” já foi um termo pejorativo. Compositores medíocres, produzindo músicas sob encomenda, resultaram em notas inesquecíveis (os coreógrafos frequentemente encomendavam as músicas para atender às suas necessidades narrativas). Mas compositores como Delibes, Glazunov e Tchaikovsky (quando ele estava compondo sob encomenda), provaram que a música de ballet pode ser brilhante e amada pelo seu público-alvo. As partituras encomendadas por Stravinsky de Petroushka, Pássaro de Fogo e Sagração da Primavera são obras-primas indiscutíveis da música do século XX.
A coreografia aumentou a fama de peças importantes reconhecidas como O Despertar do Fauno, de Debussy, e “Scheherazade”, de Rimsky-Korsakov. E trouxe reconhecimento à música que, por qualquer motivo, tinha sido subestimada: “Symphony in C” de Bizet, por exemplo, para a qual Balanchine criou uma obra enormemente popular.
Nos últimos tempos, o surgimento do minimalismo na música, especialmente nas obras de compositores como Philip Glass e Steve Reich, influenciou e inspirou numerosos coreógrafos. Jerome Robbins, Eliot Feld e Laura Dean, por exemplo, experimentaram coreografias que, como a música, repete um simples passo ou motivo repetidas vezes, com mudanças quase imperceptíveis, criando um efeito geral hipnotizante.
Normalmente, a música define o tom e o ambiente, complementando e reforçando a coreografia. Como Duncan, Fokine e Diaghilev antes dele, George Balanchine fez talvez mais do que qualquer outro coreógrafo para erguer a música do ballet. Muitas dessas obras são sem histórias e sem cenários, então a atenção do espectador está completamente na dança e na música. Balanchine selecionou e encomendou excelentes obras; ele escolheu Stravinsky, Bach, Tchaikovsky, Gershwin, Brahms, Hindemith, Sousa, Ives e Ravel, para citar apenas alguns. Eles variam do facilmente acessível ao atonal, denso e difícil. De muitas maneiras, seus trabalhos são ballets sobre sua música. Sua coreografia, com sua compreensão diferenciada de estruturas musicais, ilumina cada partitura. Tem sido dito frequentemente que as danças de Balanchine permitem ver a música. Ele próprio sabia que se o público não se importasse com a dança, eles poderiam fechar os olhos e ainda apreciar o show.
Fonte: Ballet Companion – Eliza Gaynor Minden